Stefan Sagmeinter:: ¿Es posible tocar el corazón de alguien con el diseño?

Cuando un diseñador es capaz de tocar el corazón de una persona con su trabajo, puede estar seguro de que ha pasado a otro nivel.
Stefan Sagmeister (Bregenz, Austria, 1962)

Stefan es un artista que utiliza el diseño o mas bien la tipografía, de una manera bastante peculiar a los demás diseñadores, quizá con el mismo fin de comunicar, pero en un diferente nivel, sus trabajos van mas alla de sustratos comunmente usados por cualquier disenador, en la busqueda una reacción diferente: un ejemplo es el cartel que diseñó, a principios de los 90, para la conferencia del American Institute of Graphic Arts (AIGA), en el campus de Cranbrook, En esa ocasión, Sagmeister pidió a su ayudante que tallara los detalles de la conferencia sobre su torso con una navaja y después fotografió el resultado para convertirlo en un cartel, acción que causo bastante controversia, en las palabras de Stefan:

"Sí, soy un provocador, y no es que sea algo que me encante, pero en diseño es necesario sorprender en poco tiempo porque sólo disponemos de unos minutos de la atención de alguien"

Sagmeister al hablar de su trabajo apunta:

"Siempre ha sido mi meta tocar el corazón de alguien con el diseño, pero realmente lo he logrado pocas veces. Una de ellas es cuando un amigo de Austria, Reini, me visitó en Nueva York, pero él estaba temeroso de tratar a las mujeres tan sofisticadas de esa ciudad, así que diseñé un cartel que pegué en el vecindario en el que aparece la fotografía de mi amigo y la frase: -Dears girls! Please be nice to Reini- (Queridas chicas! Por favor sean amables con Reini). Lo que pasó es que justo por ese cartel, Reini empezó a hablar con una chica en una fiesta, se conocieron y ahora son una pareja. Entonces realmente con ese cartel toqué dos corazones".
Stefan Sagmeister (nació en 1962 Austria) es director de arte, fundó Sagmeister, Inc. en 1993 en Nueva York. Ganó uno por el set-box de Talking Heads. En 2001 publicó un libro en donde compila todos sus trabajos llamado Made You Look.

También trabajo para la agencia Leo Burnett, Tibor Kalman (fundador junto con Oliviero Toscani de la revista Colors de Benetton), para más tarde formar su propio estudio en el que ha trabajado con los más diversos clientes del mundo de la música, diseñando portadas realmente sorprendentes, cargadas de poder retorico y estetico. Desde su estudio se da el lujo de elegir a sus clientes como a David Byrne, Lou Reed, The Rolling Stones y la artista japonesa Mariko Mori. Y hasta de tomarse un año sabático para dar conferencia en el mundo y formar True Majoritie (La mayor verdad), que consiste en un grupo de 500 artistas y directores de empresas líderes en Estados Unidos que se opusieron públicamente a la guerra contra Irak.

Maximalismo "todo con exceso nada con medida"

Si la norma del diseño moderno es "menos es mas", para la nueva ola maximalista, es "mas es mas" en este libro llamado maximalismo, editado por Rotovision, que aun no llega a México, este libro muestra varios ejemplos de diseño abigarrado y lleno de texturas, que parece recordar por la utilización de ciertos elementos, al diseño de la psicodelia y al art noveau, el maximalismo llego no se si para quedarse, pero si como otra etapa del diseño, que marcara la siguiente.

Helvética, la copa de cristal

Creada con el objetivo de "Pasar Inadvertida" la fuente tipográfica Helvética, esta ves no fue así, mas bien fue el centro de atención pues fue homenajeada con un documental del director Gary Hustwit y una exposición en el museo de arte moderno de NY, se celebraron los 50 años de la Helvética, fuente característica del modernismo del siglo XX, y de la imagen corporativa de empresas como American Airlines, Energizer, Toyota, Intel, Panasonic, BMW, Tupperware, Jeep, Sears, Gap y Lufthansa entre otras, porque todas estas empresas prefirieron la ya tan sobre explotada fuente tipográfica, en ves de utilizar otra tipografía de tantas que hay en el mercado o quizás crear otra.

Puede ser porque la fuente Helvética tiene la cualidad de "pasar inadvertida", pues es poseedora de una pulcritud, en la que su principal característica es que nos demuestra lo que dice el texto sin que la forma tipográfica nos confunda con diferentes significaciones, lo que importa es el contenido linguistico.

El documental es bueno, pues dan sus opiniones teóricos del diseño y diseñadores como Rick Poynor, Neville Brody, David Carson, entre otras diseñadores modernos y posmodernos.

En México, se presento el cortometraje en el centro cultural España y posteriormente se dio un debate entre tipógrafos: Gabriel Martinez Meave, Paco Calles, Jorge Medrano, y el argentino Alejandro Lo Celso, , debatían los si y no , de la Helvética, Para mucha gente e incluso diseñadores, no entendían porque tanto debate por unas letritas, quizás era excesivo. quizás la tipografía no es un tema para un iniciados.

En conclusión hubo algo que comento Paco Calles, la Helvética tiene la cualidad de la copa de cristal, en el cual se muestra el vino, su cuerpo, color, olor; la importancia se basa en mostrar el contenido, la cualidad de ser aparentemente invisible.

Los Flyers::propaganda de mano en mano

"De los multiples soportes que el Diseño Gráfico adquiere forma y sinigficado como lo son: revistas, libros, periódicos, carteles entre otros;. el flyer parece ir siempre adelante como la más dinámica, espontánea y cambiante forma de expresión del Diseño Gráfico".

Los flyers o voladores en español, tienen sus antecedentes en la propaganda nazi, de la Segunda Guerra Mundial, cuando los aviones nazis recorrían el aire y los soltaban fue asi como los nazis encontraron la forma hacer llegar su propaganda de una manera práctica a las masas, aunque se podría decir que los flyers podrian tener su antecedente en la Revolución Industrial, con la invención de la serigrafía los flyers eran distribuidos por pintores y escritores, que por su escaso poder económico mostraban su obra en pequeños formatos con el objetivo de economizar su trabajo y al mismo tiempo dar a conocer su obra.
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Para los años 60’s es cuando toman su valor mas importante pues es en esta década donde los artistas por medio de las fotocopiadoras XEROX comienzan a producir y distribuir los flyers en una mayor escala, con el objetivo de anunciar principalmente conciertos de rock, con esto podemos observar que los flyers se han caracterizado por ser un medio accesible y popular y vienen de una escencia urbana, ya para la década de los 70´s con la epoca disco se utilizaban para anunciar eventos en discoteques y conciertos y ya en década los 80s y 90s, momento en el que se da la revolución Digital la nueva posibilidad que los nuevos medios como la computadora y los nuevos medios de comunicación ofrecen, con todo esto surge una nueva estética, en la cual se da una combinación de imágenes existentes para obtener nuevos resultados y significados que van desde el arte pop,retro,minimalista,decontructivista, ,vernáculos hasta diseños de tipo ecléctico.

Es tambien en esta década cuando nace la estética Tecno,la cual se caracteruizaba por la incorporación de robots, naves espaciales y parafernalia computacional. El Fenómeno de los flyers ha crecido en las últimas décadas, donde diseñadores gráficos, fotógrafos, artistas plásticos de todo el mundo han utilizado como forma de comunicar a través de este medio impreso,con el objetivo de anucinciar una fiesta, café, concierto, marcha, exposición, performance, pasarela de modas, boutique, presentaciones de revista, entre otros. Entre las innovaciones mas importantes que han marcado la evolución de los flyers se encuentran software como el phontographer, otra incorporación escencial son las computadoras con mayor memoria y mas potencia, capaces de realizar renders con los que crear fractales, construcciones en 3D todo tipo de efectos especiales. Los flyers siguen inovando cada dia :"De los multiples soportes que el Diseño Gráfico adquiere forma y sinigficado como lo son: revistas, libros, periódicos, carteles entre otros;. el flyer parece ir siempre adelante como la más dinámica, espontánea y cambiante forma de expresión del Diseño Gráfico".

David Carson::diseño intuitivo::

"Es intuición"

Albert Eistein

El trabajo de David Carson ha sido un parteaguas en la historia diseño gráfico, Carson estudio sociología y fue hasta la edad de los 27 años, cuando tuvo sus primero encuentros con el diseño gráfico, importante influencia para acercarse al diseño fue su gusto por el surf, afición que despues hizo que diseñara la revista Transworld Skateboarding.Carson inicio su carrera como diseñador, cuando incidentalmente tomo un taller de diseño de dos semanas, fue así como descubrio su verdadera vocación. Carson es el resultado de la pureza de no haber recibido una formación academica rigurosa, ni haber asistido a la escuelaa solo aprender reglas y fórmulas, que al carecer de esta visión, logró percibir aciertos donde los demás solo viean errores.

El trabajo de Carson anteponia la emoción antes que la razón, formula que lo llevo a cabo en la revista Ray Gun que salió para mediados de los 90´s. La regla de Ray Gun consistia en no tener ninguna (aparentemente), El diseño se caracterizaba por la ausencia de reticulas y la constante inovación y cambio constante de tipografías en cada número, esta mezcla dio como resultado una revísta única y sorprendente mes con mes, en torno al diseño que utilizaba , se podia ver como llegaba a sobreponer el texto y la imagen al punto de perder legibilidad, que para el eran los medios para expresar la emoción y la sensación que da el artículo al lector.

Al referirse al diseño de Ray Gun , David Byrne afirma: "El trabajo de David Carson comunica, pero a un nivel que sobrepasa los centros lógicos y racionales del cerebro y va directamente a una parte que entiende sin tener que pensar. De esta forma su diseño es como la música: entra a nuestras mentes antes de que pueda ser detenida".

Diseño Retro

"El objetivo es decir algo nuevo usando imágenes viejas y palabras conocidas y de esta manera revivir la fuerza de la imagen antigua cada momento”.

El retro nace en los ochentas, en Nueva York y se fue expandiendo por todo el mundo, como un movimiento que se basaba principalmente en los renacimientos históricos. El retro se puede considerar que forma parte del diseño posmoderno pues muestra una relación presente-pasado mediante el uso de imágenes pertenecientes a corrientes artísticas pasadas. En el retro de da una especie de valoración hacia todo lo antiguo, que van desde la nostalgia hasta la ironia.

Per Arnold define el retro como: “El empleo de cliches lingüísticos y visuales. Los clichés son imágenes con un significado, para un grupo de gente específico y en un tiempo también específico. El objetivo es decir algo nuevo usando imágenes viejas y palabras conocidas y de esta manera revivir la fuerza de la imagen antigua cada momento”. La fuerza de la imagen dentro del estilo retro, basa su importancia en que estas imágenes que fueron utilizadas en un determinado contexto son reutilizadas, en un contexto, tiempo y para una función diferente. Las imágenes que son reutilizadas, obtienen por si solas un valor único y connotaciones que refuerzan el nuevo mensaje, con otras nuevas connotaciones diferentes.

Podemos observar los que nos ha tocado vivir a finales y principios del siglo XX, como se esta dando una recapitulación, una especia de nostalgia que podría ser un reflejo de nuestro presente, en el que algunas de las veces no se ve muy claro hacia todo lo que se refiera al futuro y que podria ser tener bastante en común con toda esa ambivalencia de conceptos que pueden producir las imágenes retro.

La propaganda absurda::el hijo desobediente de la publicidad

Vivimos en la era de la imagen, nos encontramos constantemente expuestos la televisión, celulares, Internet, entre otros medios de comunicación; A los que nos toco vivir dentro de un contexto urbano estamos inmersos en gran cantidad de mensajes. Desde que nos levantamos hasta dormimos estamos indefensos a la publicidad. Dentro esta cantidad de información que dice como vestirnos, que hay que tomar vodka, cuál película ver, y hasta cómo bailar, que tiene el objetivo principal de vender, y la mayoría de las veces se basa en la enajenación.

En contraposición a todas esta ideas nace el hijo desobediente, el hijo bastardo de la publicidad: El arte urbano o ‘’La Propaganda Absurda’’, que irónicamente utiliza los mismos medios que las grandes corporativas, pero con una finalidad o mensaje distinto, podemos hacer alusión al teórico de la comunicación: Marshal Macluhan con la frase “el medio es el mensaje”.

Podemos ver que en esta era de la comunicación, gracias a la Internet y las computadoras los medios se han democratizado, un músico que produce su música en el cuarto de su casa en su computadora personal puede promocionar su material en Myspace y tener el mismo espacio que el de un Popstar prefabricado de una disquera trasnacional.
Así en la publicidad están ocurriendo fenómenos parecidos, ahora existe una búsqueda o lucha por espacios. Con esto no me refiero al ya muy utilizado “espacio de expresión”; si no el espacio físico urbano* o un sitio en la red; por ejemplo un artista urbano diseñado de ‘’Propaganda Absurda’’ puede tener su página web al igual que una agencia de publicidad trasnacional, la publicidad de un parabús puede estar en el mismo lugar que la propaganda absurda; solo que a diferencia, esta propaganda aparece como una forma de cuestionar los espacios propios de la publicidad o cualquier otro sustrato.

Cabe destacar que La Publicidad Absurda, para existir, se tiene que valer de sus propios medios; vive o sobrevive gracias a la autogestión, es independiente por convicción y por necesidad, toma los espacios o los ocupa a la fuerza. aunque en este momento el arte urbano es retomado por las agencias de publicidad formando ya, parte de los massmedia y como una forma de persuasión en los medios de comunicación, rescatando de este arte, elementos tanto estéticos formales como en la actitud supuestamente transgresora.

Antecedentes
Tiene sus antecedentes en el graffiti en ciudades de Nueva York en la década de los 60s y hasta mediados de los ochenta. El graffiti ha alcanzado una diversificación muy amplia: tales como el neograffiti, en oposición al old school, que como tendencia experimenta con formas nuevas, que redimensionan el medio ya sea con posters, calcas, stencil; la intervención urbana y el arte postal.*

La propaganda absurda tiene un lenguaje y una terminología propia, sin embargo aún sigue siendo despreciado por sectores de la sociedad, desde el ciudadano promedio hasta el crítico de arte. Su desprecio se original irónicamente en uno de los aspectos más interesantes: al final de cuentas podría ser un acto vandálico que coquetea descaradamente en los terrenos del arte, Keith Garing y Jean Michel Basquiat son un ejemplo de ejercicios de intervención urbana y que llegaron a convertirse en ‘’arte culto’’.

Proceso del esténcil art.
Un esténcil es una pieza de papel, cartón o plástico, con una imagen de alto contraste, segmentada que permite el paso de la pintura ya sea con una brocha o con aerosol. También se le conoce como "témplate" o plantilla. El trabajo del stencilart es la aplicación por medio de estas plantillas sobre alguna superficie donde se ve reflejado el opuesto de la plantilla.

Exponentes.
Existes diversos exponentes que pueden residir en cualquier parte del mundo, que van desde los más reconocidos que aparecen en revistas y libros, podemos mencionar a Shepad Farey, Bansky, Space Invaders, hasta los más underground que podemos topar con su trabajo al cruzar una calle de nuestra ciudad. Algunos prefieren mantener su anonimato la mayoría de las veces por miedo a represalias por parte de la autoridad.
La propaganda absurda se ha convertido en un fenómeno global que ha alcanzado ciudades y países del primermundo tales como Tokio o Nueva York hasta lugares del tercer mundo como Marrakesh, Cuba y por supuesto México., donde existe el trabajo de Acamonchi, Watchavato, Homeless o proyectos como el de “’Tu no existes’’ o la anticampana del “’Palacio de Hierro’’ titulada “’Soy totalmente de Hierro”’ y ya en el estado de Chihuahua existe el trabajo del colectivo Hierbabola, Rocko, Glue all, Resiste y quizás otros artistas urbanos que nos asalten con sus consignas en alguna pared de la ciudad.