hibridovisual

Proyecto Venus, el mundo puede ser diferente...

2010-03-06T17:10:00.000-08:00

Al Proyecto Venus lo componen un grupo educativo de expertos ubicado en un Centro de Investigación localizado en Venus, Florida, y representa un cambio radical en la forma en que utilizamos la tecnología y nuestros recursos naturales. El proyecto tiene como meta, entre otras, eliminar el obsoleto sistema monetario actual y lograr un intercambio simbiótico entre humanos y naturaleza.

Jacque Fresco es uno de los impulsores más grandes de este cambio, y apuesta a una economía basada en los recursos. En esta forma de economía, todos los bienes y servicios están disponibles para todos, sin necesidad de dinero, créditos, trueque, o cualquier otra forma de deuda o servidumbre. Según Fresco, la Tierra es abundante en recursos naturales, y la práctica actual de racionarlos por métodos monetarios es contraria a nuestra supervivencia. La sociedad moderna tiene el acceso a tecnologías sumamente avanzadas que nos podría proporcionar alimento, ropa, alojamiento, asistencia médica, educación y energía (no contaminante) ilimitada. Sin embargo, esto solo puede lograrse con un uso inteligente y humano de la ciencia y la tecnología.

Les dejo el documental: Future by Design, donde se muestra la obra de Jacque Fresco y muestra muchas de sus maquetas, explicando muy bien algunas de sus teorías.

Daft Punk en Tron Legacy.

2010-03-06T16:39:00.000-08:00

Noy hay mucho que decir mejor chequen el trailer y algo de la musica de Daft Punk que acompañara a Tron Legacy.

El VJ. Remix visual.

2010-02-26T18:13:00.001-08:00

Por Lalo González
hibrido23@yahoo.com.mx

En estos tiempos nos es común hablar del Remix, y la acción de apropiarnos de diversos elementos para así manipularlos con nuevos fines, todo esto por medio de diferentes medios como lo puede ser, en primera instancia la computadora, controladores, mezcladoras entre otros. En este contexto del remix, podemos hablar de la figura de DJ o disc jockey que ha sido una pieza crucial en esta forma de crear o recrear el sonido, así como el Vj o Visual jockey, en el campo de la remezcla y manipulación del video en tiempo real.

Wikipedia define el término videojockey o VJ el cual se aplica a aquellos creadores que generan sesiones visuales mezclando en directo loops de video con música u otro tipo de acción. Por extensión, al acto de mezclar video de esta forma se le llama "veejing", esta corriente arroja nuevos paradigmas de creación visual, a partir de la apropiación de imágenes para ser remezclados e intervenidos resultando en una nueva lectura de dichas imágenes, donde la improvisación a partir de loops de video juega un papel importante.

Podemos agregar que el VJ trabaja con la mezcla de videos, fotografías, tipografía, vectores, texturas, trasparencias entre otros. El trabajo del VJ, empieza desde la búsqueda de imágenes, videos o la captura de ellos, en este caso el VJ fungiría como un antologador visual. Es importante rescatar que un VJ no solo manipula las imágenes si no también el tiempo, en este punto el trabajo de un Vj no lleva un guión determinado, pues puede retroceder la sesión o correrla en diferentes tiempos, pues las imágenes que dispara el VJ en tiempo real no son necesariamente una secuencia lógica y narrativa a diferencia a del cine.

En este caso podemos ver que DJ y del VJ tienen un trabajo similar, pues no solo el VJ, es el único que retoma del DJ sino , viceversa pues la técnica del DJ a retomado elementos del cine y el video, tales como la idea del corte, la mezcla, la toma de diferentes escenas, la edición, entre otros. Cuando se da la fusión de estos dos ámbitos, el visual y el sonoro, se puede llegar a generar una sesión impredecible, donde ciertamente puede haber un previo acuerdo, pero el resultando final es apreciable solo en el momento de la ejecución, agregando a esto el factor sorpresa.

Respecto a la trascendencia que ha tenido el trabajo del Vj, en esta última década es preciso abordar el trabajo del reconocido cineasta Peter Greenaway, que sus últimos trabajos los ha nombrado como: Cine no narrativo en tiempo presente, siendo el Vjing una de las vías por la cual opta en su trabajo, pues las imágenes no se sustentan bajo un guion, sino sobre la música, la cual ofrece mayor libertad y tiene que ver con las vibraciones del cuerpo, también podemos añadir a lo que Greenaway, señala como la muerte del cine que se da con la introducción del control remoto que curiosamente son las mismas fechas en las que nace a lo que ahora se le conoce como Vjing que fue a principios de los 80´s. Sería importante agregar que esto lo podemos ver resumido en su más reciente trabajo The Tulse Luper Suitcases donde Greenaway articula un espacio escénico donde el performance, cine e improvisación juegan un papel primordial, aparte de ver a la leyenda en acción la cual se presento en Guanajuato dentro del marco del Festival Cervantino.

El cuanto al movimiento Vj, en la actualidad existen diversos foros en internet relacionados con el Vjing, donde podemos ver que es mucho más fuerte en países europeos en el cual podemos destacar España, y en lo que respecta a México apenas se está empezando a notar, hace algunos años con lo que fue el Colectivo Nortec audiovisual, de Tijuana y a lo largo de la república hay bastantes Vjs, que como suele pasar se pierden en el inmenso territorio alejado del centralismo, y en México DF, hay bastante movimiento entre colectivos, podemos destacar al colectivo Xnografiks y la red de VJs mexicanos VJMX , también se están haciendo Festivales donde se incluye al VJ como un elemento importante y también se han realizado interesantes intervenciones arquitectónicas y performances , también existe gente haciendo videoarte o arte interactivo, pero eso ya es otro cuento.

Para concluir al respecto de toda esta idea de mezcla, les dejo un pensamiento de DJ Spooky: " El contexto de Remix es la herencia de muchas cuestiones artísticas, si miramos la historia del collage, o la de los objetos encontrados de Marcel Duchamp, o la apropiación de imágenes que hacia Andy Warhol, ahora todo eso pasa a formar parte de la idea básica de la cultura más joven, así el arte del siglo XX, se convierte en la imaginación del siglo XXI ".

Mandalas, ventanas del alma.

2010-02-24T22:52:00.000-08:00

Mandala significa en sanscrito, círculo, las representaciones de los mandalas así como su caracteristica circular, son una constante a nuestro alrededor tan profusa es su presencia en la naturaleza, como en la obra humana, en la ciencia o en el arte.

El mundo es redondo como una naranja,y tanto el mundo como una naranja partido por la mitad son mandalas.

Les dejo este sencillo gif animado, que realize a partir de unos mandalas contemporaneos.

Stefan Sagmesiter comparte el diseño feliz

2010-01-28T12:21:00.001-08:00

Stefan Sagmeister nos habla acerca de lo que ha aprendido

2010-01-28T12:12:00.001-08:00

El futuro de las Revistas, Mac Luhan tenia razón...

2010-01-28T11:48:00.001-08:00

Mag+ from Bonnier on Vimeo.

Hipgnosis, Diseño para el subconsciente.

2010-01-26T22:16:00.000-08:00

Por Lalo González
hibrido23@yahoo.com.mx

El despacho Hipgnosis fue formado el agitado año de 1968, una época caracterizada por conflictos y cambios, políticos, sociales y culturales, en este momento nace el despacho Hipgnosis formado por los londinenses Storm Thorgerson y Aubrey Powell, los cuales fueron sin duda los precursores en el diseño conceptual de portadas de discos, al haber realizado un sin fin de propuestas bastante interesantes, ellos fueron los encargados de traducir en imágenes, la música de Pink Floyd, y otros artistas de la misma talla, entre los cuales se encuentran: Peter Gabriel, Led Zepellin, Yes, Black Sabath, Genesis, entre otros.

El diseño de portadas de Hipgnosis utilizaba elementos del surrealismo, deformando el espacio, a través de montajes, ubicándolos en majestuosos paisajes oníricos, donde se puede observar una gran variedad de juegos visuales que pueden ser percibidos en diferentes niveles o lecturas, tal como mucha de la música que se produjo en ese tiempo, cabe destacar que estos diseños se hicieron en la época de la psicodélia, y fue en un momento donde todo se realizaba con procesos mecánicos, donde las bondades del Photoshop eran inexistentes.

Entre las portadas de discos mas comentadas esta: The Dark Side of the Moon, donde es representada la refracción y la dispersión de la luz blanca al pasar por un prisma, donde la cubierta del disco representa por un lado a la realidad, que es la línea de luz blanca, pura y concentrada y por el otro la representación de la misma, en colores y dispersa, que representa una realidad alterna, por general las portadas de Hipgnosis llegaban a este tipo de soluciones conceptuales, no aptas para gente autodenominadas racionales.

Los discos de Hipgnosis, son considerados objetos de culto, para los coleccionistas que buscaban discos, en tiendas especializadas, tianguis, y hasta por debajo de las piedras, estando dispuestos a pagar lo que sea, para dar con el disco que buscaban con el objetivo de llenar los libreros de sus recamaras, los cuales ya son especie en extinción, quizá también quedara atrás la experiencia de ir a la tienda y comprar un disco, observar la gran variedad de portadas, con impresiones y sustratos, abrir el empaque, observarlo, tocarlo y hasta olerlo, diseños que se percibían desde diferentes lecturas.

Peter Saville, Substancia.

2010-01-26T22:08:00.000-08:00

Por: Lalo González
hibrido23@yahoo.com.mx

Un buen disco se podría medir por su trascendencia en el tiempo, también por haber sido un parteaguas en alguna década o reflejo de algún movimiento, esto en el campo de la música pero también en el diseño. Si revisamos nuestra memoria colectiva audiovisual podemos asegurar que los discos de los: Sex Pistols, Pink Floyd, The Beatles, Bjork, entre otros, donde seguramente reconocemos las portadas pero no tenemos idea de quienes son sus creadores

Tal es el caso del diseñador Peter Saville de la disquera de Manchester, Factory Records, que diseñara las portadas para Joy División, y New Order, en la década de los 80s, momento en el cual el diseño se encontraba íntimamente ligado a la música, Saville realizo también el mítico cartel para el club Factory, que fuese precursora de la disquera.También diseño portadas para Ultravox, Suede, Pulp entre otros.

Entre sus trabajos mas importantes se encuentran las portadas de Substance y Unknow Pleasures de Joy División, también la portada de Closer donde el diseño nos remite al neoclasico, Saville utilizaba elementos que no se observaban frecuentemente en una portada de discos de rock, cabe destacar que Saville estaba influenciado por el tipógrafo moderno, Jan Tschichold, en la portada para el grupo New Order para el LP Movement en donde hizo alusión al tipógrafo y a la imagen industrial del grupo. También para New Order, realizo la portada de Power, Corruption and Lies, donde Saville se apropia de un fragmento del cuadro de “Rosas” del pintor Fantin-Latour y agregó una serie de recuadros simulando una guía de color.

El trabajo de Peter Saville es substancial, conceptual y sistemático, utilizo recursos posmodernos, tal como la apropiación de imágenes conocidas para emplearlas en sus diseños de una manera inteligente y no como una forma de saqueo cultural, haciendo que los resultados de su trabajo despertaran más comentarios que la música. Las portadas de Saville son parte importante del archivo visual de la historia de la música, diseños que se percibían desde distintas lecturas, desde lo visual a lo tangible. Mas en momentos donde el disco compacto se esta extinguiendo y las formas de venta y distribución están cambiando.

Stefan Sagmeinter:: ¿Es posible tocar el corazón de alguien con el diseño?

2008-07-21T21:32:00.000-07:00

Cuando un diseñador es capaz de tocar el corazón de una persona con su trabajo, puede estar seguro de que ha pasado a otro nivel.
Stefan Sagmeister (Bregenz, Austria, 1962)

Stefan es un artista que utiliza el diseño o mas bien la tipografía, de una manera bastante peculiar a los demás diseñadores, quizá con el mismo fin de comunicar, pero en un diferente nivel, sus trabajos van mas alla de sustratos comunmente usados por cualquier disenador, en la busqueda una reacción diferente: un ejemplo es el cartel que diseñó, a principios de los 90, para la conferencia del American Institute of Graphic Arts (AIGA), en el campus de Cranbrook, En esa ocasión, Sagmeister pidió a su ayudante que tallara los detalles de la conferencia sobre su torso con una navaja y después fotografió el resultado para convertirlo en un cartel, acción que causo bastante controversia, en las palabras de Stefan:

"Sí, soy un provocador, y no es que sea algo que me encante, pero en diseño es necesario sorprender en poco tiempo porque sólo disponemos de unos minutos de la atención de alguien"

Sagmeister al hablar de su trabajo apunta:

"Siempre ha sido mi meta tocar el corazón de alguien con el diseño, pero realmente lo he logrado pocas veces. Una de ellas es cuando un amigo de Austria, Reini, me visitó en Nueva York, pero él estaba temeroso de tratar a las mujeres tan sofisticadas de esa ciudad, así que diseñé un cartel que pegué en el vecindario en el que aparece la fotografía de mi amigo y la frase: -Dears girls! Please be nice to Reini- (Queridas chicas! Por favor sean amables con Reini). Lo que pasó es que justo por ese cartel, Reini empezó a hablar con una chica en una fiesta, se conocieron y ahora son una pareja. Entonces realmente con ese cartel toqué dos corazones".
Stefan Sagmeister (nació en 1962 Austria) es director de arte, fundó Sagmeister, Inc. en 1993 en Nueva York. Ganó uno por el set-box de Talking Heads. En 2001 publicó un libro en donde compila todos sus trabajos llamado Made You Look.

También trabajo para la agencia Leo Burnett, Tibor Kalman (fundador junto con Oliviero Toscani de la revista Colors de Benetton), para más tarde formar su propio estudio en el que ha trabajado con los más diversos clientes del mundo de la música, diseñando portadas realmente sorprendentes, cargadas de poder retorico y estetico. Desde su estudio se da el lujo de elegir a sus clientes como a David Byrne, Lou Reed, The Rolling Stones y la artista japonesa Mariko Mori. Y hasta de tomarse un año sabático para dar conferencia en el mundo y formar True Majoritie (La mayor verdad), que consiste en un grupo de 500 artistas y directores de empresas líderes en Estados Unidos que se opusieron públicamente a la guerra contra Irak.

Maximalismo "todo con exceso nada con medida"

2008-07-15T11:53:00.000-07:00

Si la norma del diseño moderno es "menos es mas", para la nueva ola maximalista, es "mas es mas" en este libro llamado maximalismo, editado por Rotovision, que aun no llega a México, este libro muestra varios ejemplos de diseño abigarrado y lleno de texturas, que parece recordar por la utilización de ciertos elementos, al diseño de la psicodelia y al art noveau, el maximalismo llego no se si para quedarse, pero si como otra etapa del diseño, que marcara la siguiente.

Helvética, la copa de cristal

2008-07-14T13:37:00.000-07:00

Creada con el objetivo de "Pasar Inadvertida" la fuente tipográfica Helvética, esta ves no fue así, mas bien fue el centro de atención pues fue homenajeada con un documental del director Gary Hustwit y una exposición en el museo de arte moderno de NY, se celebraron los 50 años de la Helvética, fuente característica del modernismo del siglo XX, y de la imagen corporativa de empresas como American Airlines, Energizer, Toyota, Intel, Panasonic, BMW, Tupperware, Jeep, Sears, Gap y Lufthansa entre otras, porque todas estas empresas prefirieron la ya tan sobre explotada fuente tipográfica, en ves de utilizar otra tipografía de tantas que hay en el mercado o quizás crear otra.

Puede ser porque la fuente Helvética tiene la cualidad de "pasar inadvertida", pues es poseedora de una pulcritud, en la que su principal característica es que nos demuestra lo que dice el texto sin que la forma tipográfica nos confunda con diferentes significaciones, lo que importa es el contenido linguistico.

El documental es bueno, pues dan sus opiniones teóricos del diseño y diseñadores como Rick Poynor, Neville Brody, David Carson, entre otras diseñadores modernos y posmodernos.

En México, se presento el cortometraje en el centro cultural España y posteriormente se dio un debate entre tipógrafos: Gabriel Martinez Meave, Paco Calles, Jorge Medrano, y el argentino Alejandro Lo Celso, , debatían los si y no , de la Helvética, Para mucha gente e incluso diseñadores, no entendían porque tanto debate por unas letritas, quizás era excesivo. quizás la tipografía no es un tema para un iniciados.

En conclusión hubo algo que comento Paco Calles, la Helvética tiene la cualidad de la copa de cristal, en el cual se muestra el vino, su cuerpo, color, olor; la importancia se basa en mostrar el contenido, la cualidad de ser aparentemente invisible.

Los Flyers::propaganda de mano en mano

2007-01-30T01:02:00.000-08:00

"De los multiples soportes que el Diseño Gráfico adquiere forma y sinigficado como lo son: revistas, libros, periódicos, carteles entre otros;. el flyer parece ir siempre adelante como la más dinámica, espontánea y cambiante forma de expresión del Diseño Gráfico".

Los flyers o voladores en español, tienen sus antecedentes en la propaganda nazi, de la Segunda Guerra Mundial, cuando los aviones nazis recorrían el aire y los soltaban fue asi como los nazis encontraron la forma hacer llegar su propaganda de una manera práctica a las masas, aunque se podría decir que los flyers podrian tener su antecedente en la Revolución Industrial, con la invención de la serigrafía los flyers eran distribuidos por pintores y escritores, que por su escaso poder económico mostraban su obra en pequeños formatos con el objetivo de economizar su trabajo y al mismo tiempo dar a conocer su obra.
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Para los años 60’s es cuando toman su valor mas importante pues es en esta década donde los artistas por medio de las fotocopiadoras XEROX comienzan a producir y distribuir los flyers en una mayor escala, con el objetivo de anunciar principalmente conciertos de rock, con esto podemos observar que los flyers se han caracterizado por ser un medio accesible y popular y vienen de una escencia urbana, ya para la década de los 70´s con la epoca disco se utilizaban para anunciar eventos en discoteques y conciertos y ya en década los 80s y 90s, momento en el que se da la revolución Digital la nueva posibilidad que los nuevos medios como la computadora y los nuevos medios de comunicación ofrecen, con todo esto surge una nueva estética, en la cual se da una combinación de imágenes existentes para obtener nuevos resultados y significados que van desde el arte pop,retro,minimalista,decontructivista, ,vernáculos hasta diseños de tipo ecléctico.

Es tambien en esta década cuando nace la estética Tecno,la cual se caracteruizaba por la incorporación de robots, naves espaciales y parafernalia computacional. El Fenómeno de los flyers ha crecido en las últimas décadas, donde diseñadores gráficos, fotógrafos, artistas plásticos de todo el mundo han utilizado como forma de comunicar a través de este medio impreso,con el objetivo de anucinciar una fiesta, café, concierto, marcha, exposición, performance, pasarela de modas, boutique, presentaciones de revista, entre otros. Entre las innovaciones mas importantes que han marcado la evolución de los flyers se encuentran software como el phontographer, otra incorporación escencial son las computadoras con mayor memoria y mas potencia, capaces de realizar renders con los que crear fractales, construcciones en 3D todo tipo de efectos especiales. Los flyers siguen inovando cada dia :"De los multiples soportes que el Diseño Gráfico adquiere forma y sinigficado como lo son: revistas, libros, periódicos, carteles entre otros;. el flyer parece ir siempre adelante como la más dinámica, espontánea y cambiante forma de expresión del Diseño Gráfico".

David Carson::diseño intuitivo::

2007-01-23T00:55:00.000-08:00

"Es intuición"

Albert Eistein

El trabajo de David Carson ha sido un parteaguas en la historia diseño gráfico, Carson estudio sociología y fue hasta la edad de los 27 años, cuando tuvo sus primero encuentros con el diseño gráfico, importante influencia para acercarse al diseño fue su gusto por el surf, afición que despues hizo que diseñara la revista Transworld Skateboarding.Carson inicio su carrera como diseñador, cuando incidentalmente tomo un taller de diseño de dos semanas, fue así como descubrio su verdadera vocación. Carson es el resultado de la pureza de no haber recibido una formación academica rigurosa, ni haber asistido a la escuelaa solo aprender reglas y fórmulas, que al carecer de esta visión, logró percibir aciertos donde los demás solo viean errores.

El trabajo de Carson anteponia la emoción antes que la razón, formula que lo llevo a cabo en la revista Ray Gun que salió para mediados de los 90´s. La regla de Ray Gun consistia en no tener ninguna (aparentemente), El diseño se caracterizaba por la ausencia de reticulas y la constante inovación y cambio constante de tipografías en cada número, esta mezcla dio como resultado una revísta única y sorprendente mes con mes, en torno al diseño que utilizaba , se podia ver como llegaba a sobreponer el texto y la imagen al punto de perder legibilidad, que para el eran los medios para expresar la emoción y la sensación que da el artículo al lector.

Al referirse al diseño de Ray Gun , David Byrne afirma: "El trabajo de David Carson comunica, pero a un nivel que sobrepasa los centros lógicos y racionales del cerebro y va directamente a una parte que entiende sin tener que pensar. De esta forma su diseño es como la música: entra a nuestras mentes antes de que pueda ser detenida".

Diseño Retro

2007-01-20T16:56:00.000-08:00

"El objetivo es decir algo nuevo usando imágenes viejas y palabras conocidas y de esta manera revivir la fuerza de la imagen antigua cada momento”.

El retro nace en los ochentas, en Nueva York y se fue expandiendo por todo el mundo, como un movimiento que se basaba principalmente en los renacimientos históricos. El retro se puede considerar que forma parte del diseño posmoderno pues muestra una relación presente-pasado mediante el uso de imágenes pertenecientes a corrientes artísticas pasadas. En el retro de da una especie de valoración hacia todo lo antiguo, que van desde la nostalgia hasta la ironia.

Per Arnold define el retro como: “El empleo de cliches lingüísticos y visuales. Los clichés son imágenes con un significado, para un grupo de gente específico y en un tiempo también específico. El objetivo es decir algo nuevo usando imágenes viejas y palabras conocidas y de esta manera revivir la fuerza de la imagen antigua cada momento”. La fuerza de la imagen dentro del estilo retro, basa su importancia en que estas imágenes que fueron utilizadas en un determinado contexto son reutilizadas, en un contexto, tiempo y para una función diferente. Las imágenes que son reutilizadas, obtienen por si solas un valor único y connotaciones que refuerzan el nuevo mensaje, con otras nuevas connotaciones diferentes.

Podemos observar los que nos ha tocado vivir a finales y principios del siglo XX, como se esta dando una recapitulación, una especia de nostalgia que podría ser un reflejo de nuestro presente, en el que algunas de las veces no se ve muy claro hacia todo lo que se refiera al futuro y que podria ser tener bastante en común con toda esa ambivalencia de conceptos que pueden producir las imágenes retro.

La propaganda absurda::el hijo desobediente de la publicidad

2007-01-19T18:23:00.000-08:00

Vivimos en la era de la imagen, nos encontramos constantemente expuestos la televisión, celulares, Internet, entre otros medios de comunicación; A los que nos toco vivir dentro de un contexto urbano estamos inmersos en gran cantidad de mensajes. Desde que nos levantamos hasta dormimos estamos indefensos a la publicidad. Dentro esta cantidad de información que dice como vestirnos, que hay que tomar vodka, cuál película ver, y hasta cómo bailar, que tiene el objetivo principal de vender, y la mayoría de las veces se basa en la enajenación.

En contraposición a todas esta ideas nace el hijo desobediente, el hijo bastardo de la publicidad: El arte urbano o ‘’La Propaganda Absurda’’, que irónicamente utiliza los mismos medios que las grandes corporativas, pero con una finalidad o mensaje distinto, podemos hacer alusión al teórico de la comunicación: Marshal Macluhan con la frase “el medio es el mensaje”.

Podemos ver que en esta era de la comunicación, gracias a la Internet y las computadoras los medios se han democratizado, un músico que produce su música en el cuarto de su casa en su computadora personal puede promocionar su material en Myspace y tener el mismo espacio que el de un Popstar prefabricado de una disquera trasnacional.
Así en la publicidad están ocurriendo fenómenos parecidos, ahora existe una búsqueda o lucha por espacios. Con esto no me refiero al ya muy utilizado “espacio de expresión”; si no el espacio físico urbano* o un sitio en la red; por ejemplo un artista urbano diseñado de ‘’Propaganda Absurda’’ puede tener su página web al igual que una agencia de publicidad trasnacional, la publicidad de un parabús puede estar en el mismo lugar que la propaganda absurda; solo que a diferencia, esta propaganda aparece como una forma de cuestionar los espacios propios de la publicidad o cualquier otro sustrato.

Cabe destacar que La Publicidad Absurda, para existir, se tiene que valer de sus propios medios; vive o sobrevive gracias a la autogestión, es independiente por convicción y por necesidad, toma los espacios o los ocupa a la fuerza. aunque en este momento el arte urbano es retomado por las agencias de publicidad formando ya, parte de los massmedia y como una forma de persuasión en los medios de comunicación, rescatando de este arte, elementos tanto estéticos formales como en la actitud supuestamente transgresora.

Antecedentes
Tiene sus antecedentes en el graffiti en ciudades de Nueva York en la década de los 60s y hasta mediados de los ochenta. El graffiti ha alcanzado una diversificación muy amplia: tales como el neograffiti, en oposición al old school, que como tendencia experimenta con formas nuevas, que redimensionan el medio ya sea con posters, calcas, stencil; la intervención urbana y el arte postal.*

La propaganda absurda tiene un lenguaje y una terminología propia, sin embargo aún sigue siendo despreciado por sectores de la sociedad, desde el ciudadano promedio hasta el crítico de arte. Su desprecio se original irónicamente en uno de los aspectos más interesantes: al final de cuentas podría ser un acto vandálico que coquetea descaradamente en los terrenos del arte, Keith Garing y Jean Michel Basquiat son un ejemplo de ejercicios de intervención urbana y que llegaron a convertirse en ‘’arte culto’’.

Proceso del esténcil art.
Un esténcil es una pieza de papel, cartón o plástico, con una imagen de alto contraste, segmentada que permite el paso de la pintura ya sea con una brocha o con aerosol. También se le conoce como "témplate" o plantilla. El trabajo del stencilart es la aplicación por medio de estas plantillas sobre alguna superficie donde se ve reflejado el opuesto de la plantilla.

Exponentes.
Existes diversos exponentes que pueden residir en cualquier parte del mundo, que van desde los más reconocidos que aparecen en revistas y libros, podemos mencionar a Shepad Farey, Bansky, Space Invaders, hasta los más underground que podemos topar con su trabajo al cruzar una calle de nuestra ciudad. Algunos prefieren mantener su anonimato la mayoría de las veces por miedo a represalias por parte de la autoridad.
La propaganda absurda se ha convertido en un fenómeno global que ha alcanzado ciudades y países del primermundo tales como Tokio o Nueva York hasta lugares del tercer mundo como Marrakesh, Cuba y por supuesto México., donde existe el trabajo de Acamonchi, Watchavato, Homeless o proyectos como el de “’Tu no existes’’ o la anticampana del “’Palacio de Hierro’’ titulada “’Soy totalmente de Hierro”’ y ya en el estado de Chihuahua existe el trabajo del colectivo Hierbabola, Rocko, Glue all, Resiste y quizás otros artistas urbanos que nos asalten con sus consignas en alguna pared de la ciudad.

Diseño Vernáculo

2007-01-17T16:10:00.000-08:00

"Hoy que el diseño perfecto es posible con el click de un mouse, el mundo industrializado ha empezado a sentir nostalgia por el diseño imperfecto"

David Byrne

El diseño vernáculo se basa en la recuperación e inserción de elementos e iconografía popular, Isaac Kerlow, nos platica: “La incorporación de iconos a nuevos contextos puede proporcionar dimensiones inesperadas y que recuerdan el típico ejercicio surrealista de los años treinta: el colocar un objeto o imagen cotidiana en un entorno inesperado para forjar -una realidad nueva-. Con esto podemos ver que la incorporación de imágenes a nuevos contextos, han sido ejercicios retomados a finales y principios de siglo, dentro del diseño momento en el que la globalización y la revolución digital juegan un papel importante, y en oposición con esas ideas de progreso, o idea de rescate o quizá una tregua donde se retoman elementos del arte y cultura popular, que se hace presente en contraste de la cultura globalizada. En las que a veces parecen o logran convivir una con la otra, obteniendo resultados inesperados.

El critico de arte Herbert di Rosa, En el libro Sensacional de Diseño Mexicano llamo: Arte Modesto a toda esa práctica de rescate, por lo popular, lo espontáneo, del entorno cotidiano, urbano, Di Rosa señala: “El rotulismo es una práctica artística en sí, que al entrar en el territorio movedizo del -arte modesto- adquiere una posición central y ya no marginal. Se vuelve así más visible y su sensibilidad puede ser fácilmente aprehendida, fuera de todo criterio académico o social. Las imágenes de los anuncios expresan a menudo un gusto muy nacionalista: siempre están cargadas de identidad.

Para el músico y productor británico David Byrne, en su articulo “Nostalgia por lo real, o lo malo es bueno” señala: “El mal diseño es buen diseño, así como el diseño de buen gusto es malo. Hoy que el diseño perfecto es posible con el click de un mouse, el mundo industrializado ha empezado a sentir nostalgia por el diseño imperfecto. Ahora que los artefactos computarizados dominan nuestras vidas comenzamos a darnos cuenta, poco a poco, de lo que falta en el mundo altamente tecnificado. Advertimos que a veces una línea chueca tiene más vitalidad que una irreprochablemente trazada y que una grabación que tiene la cantidad exacta de distorsión y color que le añaden los equipos antiguos muchas veces resulta preferible a una copia perfecta.

Diseño posmoderno.

2007-01-17T16:05:00.000-08:00

“Vamos hacia adelante viendo por el espejo retrovisor".

Marshal Mcluhan

Cada generación tiene su propia convicción del mundo que le rodea a lo que podemos llamar el espíritu de la época, Para finales del siglo XX y principios del siglo XXI, surge el posmodernismo, el cual se da tiempo de transición a otra época que se viene y tiene una ruptura con la época anterior. El posmodernismo el cual ha tocado a diversas disciplinas entre ellas el diseño gráfico. Este no puede entenderse sin hacer referencia a lo moderno pues es esta una consecuencia de lo moderno, el cual es sustituido o rechazado, muchos críticos apuntan que es una especie de parásito que depende de su huésped moderno y exhibe muchos de sus rasgos excepto su significado.

El diseño posmoderno siempre se ha caracterizado por sus analogías entre el futuro y pasado, como un movimiento que absorbe teorías, tomando partes de la historia y de diversas corrientes de la historia del arte tales como el dadaísmo, futurismo, constructivismo, entre otros. Este se basa en las relaciones entre el pasado y el presente con el fin de replantearse en un nuevo contexto dentro del diseño.

El posmodernismo presenta una relación consciente con un pasado que no se puede borrar y se enfrenta al problema de ser original cuando se confronta a una extensa memoria y la ironía que siempre surge cuando uno desplaza o cita a la historia reviviéndola en un contexto nuevo, así el posmodernismo prescinde de amarras porque las viejas certezas se han desintegrado. Es agotador sacar el máximo provecho de la recirculación y la repetición infinitas que existen en el almacén de la imagen colectiva, con esto podemos hacer referencia a lo que citaba el teórico de las comunicaciones Marchal Mcluhan: “vamos hacia adelante viendo por el espejo retrovisor.

Portadas de discos, un puente entre lo sonoro y lo visual

2007-01-02T01:02:00.000-08:00

Coolaboración para Bluemagazine

La música y el arte siempre han ido de la mano, con el paso del tiempo se ha logrado un entendimiento entre el lenguaje musical y el lenguaje gráfico. Mediante las portadas de discos se ha creado un puente, un punto de convergencia entre la música y el diseño. La primera impresión que nos queda del disco es la visual, la música no sólo es un trabajo sonoro sino también visual.

Los 50´s; la decada del Jazz.
En los 50s se vivían los estragos de la Posguerra sin embargo esta marco un parteaguas dentro del arte, en especial en la música donde surgieron movimientos como el Rock, Blues y el Jazz. Pero aun se desconocía el potencial que llegarían a generar los vínculos entre el lenguaje gráfico y musical. Sin embargo existen algunos ejemplos donde se logró una interesante concepción entre estas dos vertientes. tal es el caso de las portadas de la disquera Bluenote donde cabe destacar el diseño para el músico de Jazz Joe Henderson donde el diseñador Reid Miles improvisa en torno a las palabras del título del disco, haciendo un juego al hacer ligaduras con la tipografía de una manera similar al modo de composición del Jazz.

Los 60s la década de la Psicodelia y el Pop art.
Para principios de los 60s se da una especie de desprecio a lo establecido debido a la brecha generacional y a la guerra de Vietnam. Dentro del diseño las tipografías eran echas a mano y se dio una especie de caligrafía con distorsiones y en cuanto al color que se utilizó consistió en una variedad cromática que años atrás hubiese sido imposible incluir en una portada, parte de la gráfica de esta década se le relaciona con las alucinaciones bajo el efecto del LCD. Para finales de los 60s cabe destacar el trabajo de Andy Warhol, el cual diseño la portada para el grupo The Velvet Underground, Warhol manejaba la ironía en sus obras, en esta portada lo extraño es que un plátano no reflejaba el rock de The Velvet Underground, pero cabe destacar que Warhol se aceptaba a el y a su obra vacía de fundamento, como un mero simulacro, carente de referencias.

Los 70s la era del Rock y el Punk.
Es en esta década surge también el despacho Hipgnosis, fundado por Storm Thogerson y Abruey Powell, conocidos por su diseño conceptual en las portadas de discos, creando su peculiar estilo en cuanto a propuestas visuales, algunos de sus trabajos mas trascendentes fueron los que realizaron para Pink Floyd. Para finales de los 70s en el campo del diseño gráfico aparece el diseño Punk, diseño que al igual que la música arremetía contra todos los valores. Las portadas que realizó Jamie Reid para los Sex Pistols que se caracterizaron por utlilizar tipografías toscas recortadas al estilo de la propaganda situacionista del grupo frances Guy Debort y de las intervenciones del dadaísmo de los años 20s, tal y como lo hiciese Marcel Duchamp con la Monalisa al agregarle bigotes, Reid realizó este ejercicio con la imagen de la Reina Isabel II de Inglaterra, al agregarle al tapar sus ojos y boca con tipografía recortada.

Los 80s la era del Posmodernismo.
En esta década la portada del grupo de música electrónica Kraftwerk, con su LP Machine Músic, que recordaba el constructivismo ruso de los años 20s , este trabajo fue un parteaguas en el diseño posmoderno dentro de la era de la Apropiación, convirtiéndose este en una tendencia. Incluso era válido tomar prestado de los movimientos artísticos de principios de siglo, que con algunos elementos de fotografía e ilustración producían un nuevo discurso sobre las portadas. También cabe destacar a los diseñadores ingleses Malcom Garret, Tibor Kalman y Peter Saville, este ultimo el cual diseño la portada para New Order para el LP Movement, donde hace alusión a los afiches futuristas y al tipógrafo Jan Tischichold que hacían juego con la imagen industrial y maquinista del grupo. Para los 80s ocurren grandes cambios en el diseño con la aparición del CD.

Los 90s la era de la Revolución digital.
En esta década la diseñadora April Greiman y el grupo Emigre, comenzaban a trabajar y a experimentar con la nueva herramienta para el diseño la Macintosh, ya para mediados de esta década cabe destacar el diseño de The Designers Republic y su trabajo para la portada del disco Magic, para el productor de música electrónica Juan Atkins, también es importante la obra del grupo londinense Mecompany que realizó varias portadas para Bjork, decada donde el diseño Tecno tomaba gran auge, sin embargo este auge tuvo también su contraparte muchos de estos diseñadores regresaron a las técnicas artesanales del diseño donde se dio una especie de retrofuturismo y la recuperación de elementos populares dentro del diseño. En esta década también son importantes diseñadores como Vaughan Oliver por sus portadas para el grupo Pixies y Neville Brody por su trabajo para Factory records, que también fueron reconocidos por su experimentación con la tipografía.

Hazlo tu mismo, Jamie Reid el diseñador del Punk

2006-12-28T13:43:00.000-08:00

Dentro del diseño portadas existe un elemento importante: la experimentación ya que gracias a este ejercicio se han logrado quebrantar reglas y se han impuesto otras maneras de resolver los procesos del diseño creando así nuevos códigos de entendimiento al momento de representar lo musical por medio de la imagen.

Esta experimentación ha sido de gran ayuda en la evolución del lenguaje visual y lenguaje musical, sumado a la experiencia de las décadas pasados: para desde los años 50´s con movimientos como el Jazz y Blues, los 60´s con la psicodelia y el pop art hasta llegar la década de los años 70s década aparece el diseño y la estética Punk.

El Diseño Punk al igual que la música estaba en contra de todos los valores establecidos esto tanto en el campo grafico como en el musical, las portadas del diseñador Jaime Reid que realizó para los Sex Pistols fueron el mayor ejemplo de esta tendencia el cual era un diseño que se caracterizaba por utilizar tipografía tosca y recortada, al estilo de la propaganda situacionista del grupo activista parisino Guy Debort, también en este tipo de diseño se notaba una fuerte influencia del diseño dadaísta de los años 20s y de los ejercicios de intervención de esa época. Reid en la portada del sencillo Good save the Queen (Dios salve a la reina) realizo este tipo de ejercicios con la fotografía de la reina Isabel de Inglaterra, al intervenir sus ojos y boca con tipografía recortada, (tal y como lo hiciese Marcel Duchamp al agregarle bigotes a la monalisa).

Este tipo de diseño que estaba en contra de lo armónico, estético y profesional fue considerado una imperdonable ofensa estética por muchos diseñadores establecidos. Reid ejerció una gran influencia en diseñadores del post punk de la talla de Neville Brody y Vaughan Oliver; también lo hizo con el proceso del diseño en particular: fue el primero en lograr adaptar el espíritu del movimiento punk a las posibilidades técnicas de la gráfica, impulsando la democratización del proceso de autogestión, utilizando la consigna: Just do it your self, Hazlo tu mismo".

Para el primer sencillo de los Sex Pistols titulado Nevermind the Bollocks en 1977, donde la portada era una apropiación de un empaque de detergente, este disco fue varias veces censurado y hasta llego a ser enjuiciado por la corte de Nottingham, por el echo de utilizar la palabra "Bollocks" en el título. A pesar de esto, se le consideró legal y obtuvo fuertes ventas, hasta llegar a ser uno de los discos más influyentes en la historia del rock.

Reid fue muy hábil en la utilización de recursos gráficos para construir los mensajes y consignas, propias de un personaje anárquicamente correcto.